5 Feb

UX design, por qué usarlo en tu página web

Cuando vamos a comenzar el diseño de una página web corporativa o tienda online, lo primero es plantear su arquitectura web: categorías, funcionalidades, división del espacio, necesidades… y, durante ese proceso, debemos aplicar el UX design para obtener un resultado óptimo para el usuario.

¿Qué es el UX design?

Llamamos UX Design (User Experience Design) al Diseño de Experiencia de Usuario. Este diseño estaría basado en implementar la usabilidad y accesibilidad de los procesos de diseño, tanto de páginas web, como de aplicaciones o productos.

¿Qué hace un UX designer / diseñador UX?

Un UX designer es un profesional que se encarga de que la percepción del usuario de un servicio o producto sea óptima desde todos los puntos de vista: eficiencia, usabilidad, diseño, etc. El perfil del UX designer debe ser el de una persona adaptable a cambios, analítico, tener conocimientos de diseño y programación e interés por las nuevas tecnologías.

El Diseñador UX se encarga de todo lo que afecta a la interacción o diálogo de una persona con un sistema. Eduardo Huerta

¿Por qué utilizar el UX design en mi página web?

En el mundo de las páginas web, debemos tener en cuenta el UX design para un diseño y desarrollo optimizado para mejorar la experiencia de usuario.

Desde la llegada de la web 2.0, donde el consumidor ocupó el centro de atención y se comenzó a fomentar la relación bidireccional entre empresas y clientes en Internet, la usabilidad es un factor decisivo en el diseño de nuestra página web para responder a las necesidades de los usuarios. Ya no son meros escaparates estáticos destinados a publicidad. Ahora construyen relaciones y comunidades en torno a marcas y productos. El diseño está pensado para facilitarles la vida a los consumidores y responder a sus necesidades. Es por eso que cada vez se trabaja más en cuestiones como el neuromarketing o aparecen nuevas especializaciones como el UX designer, tanto para el diseño de productos, como para páginas web, aplicaciones, etc.

¿Cómo aplicar el UX design en mi página web?

Para utilizar en nuestra página web los fundamentos del UX design, debemos aplicar la psicología a la informática y realizar un trabajo previo de investigación sobre el público objetivo al que nos vamos a dirigir, los valores que queremos transmitir, las funcionalidades que el usuario puede necesitar y qué obstáculos puede encontrarse que debamos salvar. Debemos empatizar con el consumidor.

  • Diseño gráfico: La parte visual del diseño, que contiene símbolos, imágenes y colores, debe transmitir un mensaje concreto a través de una comunicación visual efectiva.
  • Arquitectura web: La arquitectura de la información, en UX design, se basa en una organización óptima de los productos y/o servicios de manera que se facilite su búsqueda y el uso de los elementos. Que nos resulte fácil navegar por la página web, buscar información, comprar, etc.
  • Diseño de interacción: Trata de crear una interfaz intuitiva y fácil de navegar, con un diseño y estructura consistente y familiar en todo el sitio web. Hay muchos elementos que permiten la interactuación entre el usuario y la web como los botones, animaciones, efectos como el mouse-over, etc.
  • Usabilidad: La usabilidad es el principal de los estándares del diseño de páginas web. Una buena usabilidad es esencial para una buena experiencia de usuario, pero no la garantiza, porque no todos los usuarios tienen la misma capacidad para usar un sistema. Por ello, hay que tener en cuenta la información que tenemos sobre el tipo de usuarios con los que vamos a interactuar y, si es posible, realizar pruebas con un grupo para evaluar su funcionalidad.
  • Accesibilidad: La accesibilidad de un sitio depende de su alcance, uso y comprensión. Se basa, en muchos casos, en la facilidad de uso para personas con discapacidades. Las Pautas de Accesibilidad al Contenido Web (WCAG) 2.0 son una serie de recomendaciones para que el sitio sea más accesible para una gama más amplia de personas, como la personas con discapacidades. De esta manera, hacemos del sitio web un lugar más fácil de usar para los usuarios en general y de fácil acceso para todos, mejorando la experiencia general de usuario, algo muy valioso para los bots de Google.
  • Interacción humano-computadora: Trata del diseño, evaluación e implementación de los sistemas de computación para uso humano y de los fenómenos que los rodean, Es el principal contribuyente al UX design, pues hace especial énfasis en optimizar la facilidad de uso mediante I+D. La experiencia del usuario no puede ser fabricada o diseñada. Debe incorporarse en el diseño.

Beneficios del UX Design

  • Evitar elementos innecesarios en el sitio web
  • Optimizar la arquitectura web
  • Simplificar la información
  • Mejorar la usabilidad y accesibilidad del sitio web
  • Reducir la tasa de rebote y abandono
  • Mejorar el posicionamiento web, ya que Google premia los sitios con UX design
  • Aumentar tráfico/ventas a través de la adaptabilidad a dispositivos móviles

Conclusión

El primer paso para diseñar la experiencia del usuario es determinar la razón por la cual un visitante visitará el sitio web o usará la aplicación en cuestión. Entonces la experiencia del usuario puede ser diseñada en consecuencia. Wikipedia

El proceso de diseño web se basaría en:

Recopilar información > bocetar el diseño > desarrollar el diseño > Probar el diseño > Publicar

¿Necesitas adaptar tu web al UX design o quieres comenzar un nuevo proyecto desde cero? Ponte en contacto con nosotros y te asesoramos aquí.

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31 Oct

Descuento de Halloween en diseño gráfico

Celebramos la llegada del Día de Todos los Santos con un descuento de miedo del 50% ?? en los trabajos de diseño gráfico. Válido para encargos realizados del 31 de octubre al 4 de noviembre. Escríbenos ➡️ grafico@nordenestudio.es con el asunto HALLOWEEN50OFF y cuéntanos tu idea. Nosotros le daremos forma.

¿Qué es Halloween? Un poco de historia.

La fiesta de Samhain, más conocida como Halloween en su versión comercial moderna, es una de las festividades más antiguas de la humanidad. Los antiguos celtas, celebraban a finales de octubre el fin de la cosecha con una fiesta bautizada como Samhain (final del verano). Los días se hacían más cortos, las noches más largas y había que almacenar comida y sacrificar animales.

Según sus creencias, los espíritus de los muertos regresaban esa noche a visitar a los mortales, y encendían hogueras para ahuyentar los malos espíritus. Celebraban la llegada de un Año Nuevo Celta y dejaban comida fuera de sus casas con velas encendidas para alumbrar a los muertos el camino hacia la luz y el descanso junto al Dios Sol.

Con el auge del cristianismo en la época medieval, la fiesta se convirtió en el Día de Todos los Santos. En inglés, denominada All Hallows’ Eve, Víspera de Todos los Santos, que derivó a Halloween). Con la emigración de irlandeses a Norteamérica, viaja la tradición de Samhain y se suma a otras creencias indias y coloniales convirtiéndose, con el tiempo, en una fiesta más de ocio y consumo. Aún así, los antiguos ritos siguen conservándose en zonas de Irlanda y otras poblaciones de origen celta.

En Cantabria, esta fiesta se celebra desde hace más de 2500 años, al igual que lugares como Irlanda, Escocia, Bretaña, Galicia o Asturias. La fiesta de Samhain, en cántabro Samuín, se celebraba con conjuros, magostas, recogida de maíz, bailes y procesiones como la ‘Güeste’. También se vaciaban calabazas verrugonas para simular los espíritus de los fallecidos, colocando velas en su interior para guiarlos. Bonitas tradiciones dignas de mantenerse.

25 Jul

La importancia de la tipografía en el diseño gráfico

En algunos casos, la abundancia de familias tipográficas puede asustar. Hay numerosos estilos, pesos y variantes que utilizan una terminología que se malinterpreta repetidamente. Conocer la amplitud y alternativas de cada familia de tipos facilita la elección de la más adecuada tipografía en el diseño.

Historia

El concepto moderno de letra llega a nosotros después de 4000 años de viaje a través de Mesopotamia, Egipto, Grecia, la península itálica y, por último, Europa occidental. El alfabeto romano, codificado los siglos II y I a.C., deriva de la escritura lapidaria griega, desarrollada durante milenios por los sumerios, etruscos y fenicios. Los romanos introdujeron nuevos caracteres y simplificaron la escritura, manteniendo un grosos único en las astas de los caracteres. Los escribas comenzaron a trazar las inscripciones antes de tallarlas, utilizando plumas de junco de corte cuadrado y pinceles que dejaban marcas contrastadas y astas gruesas y finas, que influenciaron la creación de la forma de las letras en los siguientes 2000 años.

Genealogía

En el ámbito de la tecnología digital, fuente se refiere al fichero digital que almacena la información y características escalables del tipo o, dicho de otro modo, del diseño. Un tipo es un único peso o estilo con unas características y una estética singulares. El conjunto de tipos con elementos de diseño comunes ejecutados mediante una serie de pesos y de estilos compone una familia tipográfica.

Clasificación

Como comentábamos en nuestro post sobre los principios básicos del diseño gráfico, a lo largo del sigo XX se han realizado esfuerzos para clasificar la creciente colección de tipos. En los años 20, el tipógrafo francés Francis Thibaudeau las clasificó por la forma de sus serifas en elzervirianos, didots, egipcios y antiguos. En 1954, otro tipógrafo francés llamado Maximilien Vox propuso un sistema más completo basado en un enfoque histórico. Las categorías incluían los tipos clásicos (subdivididos en humanísticos, garaldos y de transición), modernos (didones, mecánicos y lineanles) y otros (incisos, manuscritos, manuales, góticos y no latinos). Este sistema fue adoptado en 1962 por la ATypI (Associaton Typographique Internationale) y más tarde por Adobe, para clasificar su biblioteca. También, más adelante, las fundiciones de tipos de imprenta digitales intentaron clasificarlas por el modo en que los diseñadores se refieren a los tipos en su lenguaje cotidiano.

Composición

La actividad que, normalmente, ocupa más tiempo a un diseñador es la composición tipográfica. Esto se refiere a disponer las letras en palabras, las palabras en frases, las frases en párrafos y los párrafos en composiciones. Para una buena composición de tipografía en el diseño, hay que respetar algunos principios y conocer la semántica sobre el espaciado, organización y uso correcto de la puntuación.

Conclusión

Sea cual fuere su forma, los caracteres tipográficos llevan mensajes por encima de las palabras que representan en forma de respuestas emocionales o asociaciones del espectador en respuesta a los detalles de un determinado tipo de letra. Son respuestas subjetivas que se basan en la experiencia personal y el trasfondo cultural. El diseñador es un comunicador y tiene que dirigirse a su público objetivo. La tipografía en el diseño como parte del proceso de comunicación puede ser una parte muy eficaz para conectar con el grupo. Puedes utilizar tipos pesadas, ligeras, con textura, o combinaciones de diferentes estilos que creen un contraste.

La tipografía es un arte. La buena tipografía es Arte. Paul Rand

19 Jul

¿Cuáles son los principales métodos de impresión?

Entre el proceso creativo del diseño gráfico y el proyecto final se encuentra el amplio mundo de la impresión. Como comentábamos en nuestro post sobre los principios básicos del diseño gráfico, es imprescindible conocer el funcionamiento de cada método de impresión para escoger cuál es el que más nos conviene y preparar el arte final adecuadamente.

Método offset

Es el método de impresión más utilizado. Ofrece calidad, versatilidad y velocidad. Las impresoras offset pueden ser pequeñas de uno o dos colores al mismo tiempo (unos 46 cm de ancho) o grandes de hasta ocho colores (hasta 140 cm de ancho). En las configuraciones de color entran el CMYK, los colores planos y los barnices o revestimientos. Los archivos digitales se transfieren a planchas de metal sobre las que se imprime una imagen. Las planchas se enrollan sobre un rodillo intermediario entre los que suministran tinta y los que la transfieren al papel (mantilla).

Hay dos tipos de impresoras offset, las de hoja a hoja para impresiones de menos de 20000 unidades como libros, folletos, carteles, papelería de precisión y calidad y las rotativas, para volúmenes mayores de impresión como prensa, catálogos o revistas impresas a mayor velocidad y donde los detalles son más complicados de controlar.

Impresión tipográfica

Esta modalidad tiene su origen en China, en el siglo XI, cuando se tallaban bloques de madera y arcilla para imprimir un carácter en relieve sobre el papel. La base de este método de impresión no ha cambiado mucho, sólo la técnica ha ido evolucionando a lo largo de los siglos, pasando por las grandes hojas de madera del siglo XIX hasta las prensas de la Revolución Industrial. Actualmente, están renaciendo este método gracias a las planchas de fotopolímero que pueden reproducir archivos digitales en planchas de prensas rotativas del siglo XIX restauradas. Un regalo para la vista de los diseñadores.

Serigrafía

Método de imrpesión muy popular por su versatilidad y sólida reproducción en color. Un sistema asequible y muy vistoso que viralizó Andy Warhol y muy usado en bandas de rock y fabricantes para ediciones limitadas de camisetas, bolígrafos, cartelería… Muchos diseñadores usan planchas de serigrafía para tiradas pequeñas con posibilidad para imprimir sobre cualquier superficie como tela, papel, metal, madera, hormigón o plástico. Se consigue imprimiendo el diseño en una malla de nylon o poliéster recubierta con fotoemulsión y sometida a la luz mientras se bloquea el trabajo que se imprimirá. Se crea una plantilla para cada color que lleva el diseño y, sobre la superficie final, se aplica la tinta con la ayuda de una rasqueta, repitiendo la operación con cada color.

Grabado

El grabado es la delicatessen de los procesos de impresión. Un método de impresión más costoso, largo y especializado que se obtiene con una superficie ligeramente en relieve, con una saturación de color densa y un diseño muy definido. Se logra tallando una imagen a partir de una plancha de metal (generalmente cobre), rellenando los espacios huecos resultantes con tinta y colocando después papel encima ejerciendo presión para este absorba la tinta. Se utiliza sobre todo para tarjetas de visita o invitaciones a actos de etiqueta.

Termografía

Este método de impresión es el resultado de una superficie el relieve con un acabado brillante, similar a la del grabado. A diferencia del método anterior, no es un proceso caro ni refinado y se realiza utilizando una tinta de secado lento, recubriéndola con polvo para termografía y aplicándole calor para fundir el polvo con la tinta y hacer que la imagen sobresalga. Los pequeños detalles tipográficos suelen perderse debido al hinchado de la tinta.

Flexografía

La impresión flexográfica generalmente se usa con una máquina rotativa, usando planchas de goma o plástico con una imagen ligeramente en relieve y, en lugar de las tintas a base de aceite del offset, con tintas de base acuosa que secan más rápido. Este método de impresión, se suele utilizar para materiales poco porosos como el plástico, el Kraft o las etiquetas. Se imprime en una prensa rotativa y las planchas son de un material semiblando, donde los registros de las planchas de color y densidad no son óptimos.

Estampación en caliente

Proceso ideal para detalles sofisticados con brillo y estilo. La estampación en caliente produce un efecto delicado, lujoso y deslumbrante. Se utiliza desde los siglos I y II en manuscritos en los que se molía oro para transformarlo en un fino polvo que se extendía sobre la página para obtener un resultado brillante. Hoy en día, se crea una plancha en relieve con el diseño, se calienta y se pone sobre una prensa tipográfica, donde se coloca una hoja de papel de aluminio para que, a medida que el papel pase por la prensa, se adhiera la imagen en relieve. Este método de impresión se puede usar en diversos materiales como tela, piel, madera…

Impresión digital

Más lento pero seguro, el método de impresión digital es el método más cómodo para muchos diseñadores. A diferencia del offset, no requiere planchas. Utiliza un tóner con tinta en polvo en lugar de líquida que se coloca sobre el papel, en lugar de ser absorbida. Útil para tiradas cortas (centenares o pocos miles) a un precio asequible. La calidad ha mejorado mucho con los años, pero aún no se puede igualar a la calidad del offset ni igualar los colores PMS de forma simétrica.

Desde finales de los años 90 se han lanzado impresoras digitales más complejas y muy bien recibidas como las Xerox, Heidelberg y Hewlett-Packard con versiones que cada año superan a la anterior, mejores tiempos de respuesta y asequibles en comparación con una máquina offset.

Inyección de tinta

Método de impresión utilizado en tiradas cortas (sobre el centenar), o incluso impresiones individuales. Un método óptimo para impresión casera que produce imágenes saturadas y textos definidos en una amplia gama de papeles ideal para carteles o maquetas para presentaciones de trabajos de fotógrafos, ilustradores o pequeñas empresas y autónomos.

11 Jul

¿Cuáles son los principios básicos del diseño gráfico?

El diseño gráfico ha evolucionado a lo largo de tres siglos, desde el primer reconocimiento como arte a finales del siglo XIX, pasando por la acuñación del término por W.A. Dwiggins en 1922, hasta su lugar actual como disciplina de comunicación visual con gran número de especialidades como el diseño gráfico publicitario, el diseño gráfico editorial, el diseño gráfico corporativo, branding, etc.

La profesión ha experimentado muchos cambios académicos, prácticos y, sobre todo, tecnológicos. En un campo donde es cada vez más habitual el intrusismo laboral, nos encontramos con personas sin ninguna titulación ni conocimientos técnicos ofreciendo servicios ‘profesionales’, por lo que hay que tener sumo cuidado para que no nos den ‘gato por liebre’ en el desarrollo de nuestro proyecto.

Cuando vamos a realizar un proyecto de diseño gráfico, hay cuatro principios básicos que tenemos que tener en cuenta:

La composición

Un aspecto constante en cualquier disciplina del diseño gráfico es la composición. Ya sea un proyecto grande o pequeño, las imágenes y el texto deben colocarse a conciencia y la disposición de todos los elementos debe distribuirse en un espacio determinado de manera perfecta y equilibrada para cumplir un fin. Para ello, cuidaremos la proporción, forma, tamaño y escalabilidad. Cada elemento que plasmamos en el papel/pantalla ejerce un peso visual. La composición se encuentra cuando el peso de estos elementos está equilibrado.

La tipografía

La abundancia de familias tipográficas puede asustar. Hay miles de pesos, estilos y variantes. A lo largo del siglo XX se ha intentado acuñar el conjunto definitivo de términos para clasificar la colección de tipos. Profundizaremos en ello otro día. A finales de siglo, se presentó una clasificación basada en el lenguaje cotidiano que usan los diseñadores para referirse a ellas. Para una correcta composición tipográfica, hay que respetar unos determinados principios y conocer la semántica sobre el espaciado, organización y puntuación.

El color

El color puede ser la variable más influyente en el diseño gráfico como pudimos ver en el post sobre la teoría del color, ya que puede transmitir gran cantidad de emociones, como podéis ver en la segunda parte del post. Esto hace que el diseño establezca una relación con el espectador. Las paletas de color en un diseño pueden ser tan simples como la combinación de dos colores o tan compleja como un sistema de múltiples colores rotos por conjuntos de colores primarios y secundarios. Desde combinaciones monocromáticas a selecciones en desorden. La aplicación de esta paleta de colores en el diseño gráfico es vital para su éxito, impacto y oportunidad, creando atmósferas, referencias y asociaciones relacionadas con el contexto y el público.

La impresión

Entre el desarrollo del concepto inicial de un proyecto y el arte final, hay un complejo proceso para convertirlo en realidad mediante diferentes técnicas de impresión. Cada una de ellas tiene sus ventajas, desventajas, costes, calidad, disponibilidad, adecuación… y cada método produce unos resultados específicos. Por ello, es muy importante conocer cada procedimiento para obtener el mejor resultado. Igual de importante es el acabado, que comprende el material de su presentación final, sistema de encuadernado, plegado, troquelado, barnizado, corte o cualquier otra técnica que defina la presencia final del documento terminado.

Desde Norden Estudio, profesionales con más de 15 años de experiencia en diseño gráfico en Torrelavega, Cantabria y con trabajos por toda España, os ofrecemos asesoramiento profesional para dar vida a vuestros proyectos con las técnicas más modernas y en continua formación con las últimas tendencias. ¿Tienes una idea? Nosotros le damos forma. Contáctanos en info@nordenestudio.es o por teléfono/WhatsApp en el 622055981. ¡Te estamos esperando!

 

1 Jun

Teoría del color aplicada al diseño (parte II)

Como comentábamos en nuestro último post, la psicología del color se basa en componentes emocionales y culturales. Vamos a ver qué simbolismo cromático tienen los principales colores para el sector del diseño gráfico, branding o marketing en nuestra cultura:

EL ROJO

Es un color altamente estimulante, lo que provoca sensaciones asociadas a la subida de adrenalina como huida, lucha, pasión y excitación. Según el brillo y saturación que utilicemos y cómo lo combinemos con otros colores puede resultar muy masculino o muy femenino, que evoque más acción o más misterio. Hay numerosas marcas que tienen como base este color: Coca-Cola, YouTube, Vodafone, Levi’s, Canon, Pinterest…

AZUL

Estadísticamente, el color más apreciado y utilizado por las marcas corporativas por su poder de generar una sensación de calma, seguridad, confianza y protección. También puede tener otros significados como honestidad y racionalidad. Su asociación con el mar y el cielo produce una sensación de solidez y dependencia. Es un color muy versátil según las tonalidades que utilicemos. En el entorno empresarial suele combinarse con el gris o el negro para dar una imagen más profesional. Un azul demasiado oscuro puede fatigar y un azul más celeste se asocia más a la espiritualidad y la justicia. Es utilizado en marcas como Facebook, Samsung, Ford…

BLANCO

La primera sensación que ofrece el blanco siempre es la pureza. Como vimos en el anterior post, es la suma de todos los demás colores. Se relaciona también con la inocencia, bondad, seguridad, salud, paz y elegancia. Es sencillo y fresco, estático y poderoso. Transmite sinceridad y orden. Es uno de los favoritos del minimalismo por su limpieza y luminosidad. En el diseño gráfico se usa mucho para logotipos en versión negativa, sobre todo en negro. Suelen usar este estilo marcas como el Banco Santander, Milka, Hugo Boss o Diesel, entre otras.

GRIS

Extremadamente neutro, puede percibirse como falta de compromiso por sí solo. Se asocia sobre todo a la tecnología, metalurgia y sector del automóvil, al no ser muy emocional. Sugiere precisión, competencia, control y sofisticación. No tiene carácter ni género. Puede ser aburrido y triste, pero en sectores como el marketing o el diseño gráfico puede sugerir madurez, fiabilidad y seguridad. En combinación con otros colores es muy útil para generar contraste. Muchas marcas utilizan una versión más brillante o próxima al plateado para evocar elegancia, experiencia y/o lujo, como Swarovski, Apple, Nissan, Mercedes o Jaguar, por ejemplo.

AMARILLO

Asociado con el sol y la calidez, el amarillo estimula la felicidad, el buen humor, la alegría, la iluminación, pero también se puede asociar en el sector gráfico al peligro o falta de seriedad. Es un color primario que estimula la inteligencia y creatividad. En el marketing, se asocia a productos de alta gama y lujo en su versión más brillante, cercana al dorado. También se asocia en publicidad a felicidad, verano, diversión, juventud o energía. Tiene la virtud de avivar otros colores. Lo vemos en marcas como Ferrari, Prosegur, McDonald’s, Schweppes, Bic o Lois.

NARANJA

El naranja despierta sensaciones asociadas a sus colores ‘madre’ como la excitación del rojo y la vitalidad del amarillo. Es abierto, atrevido y fresco, pero también puede transmitir irresponsabilidad. El naranja brillante es saludable, divertido, cómodo, fuerte (a veces incluso agresivo), cálido y juvenil. Según se hace más neutro nos recuerda más al otoño o al anochecer. Suele funcionar bien en contraste con colores más fríos o en marcas con un target infantil o juvenil y en el sector deportivo. También sirve para transmitir coraje y energía. Lo vemos en marcas como Nickelodeon, Orange, Fanta, ING, Euskaltel o Firefox.

VERDE

El verde es uno de los colores más relajantes del espectro al estar asociado a la naturaleza, el crecimiento y la fertilidad. Cuanto más intenso, más joven y enérgico. En tonos profundos sugieren más fiabilidad. Los tonos neutros evocan la tierra. Pero hay que tener cuidado ya que, en ciertos contextos y tonos muy claros, se puede asociar con enfermedad o decadencia. Hereda, como el naranja, algunas características del azul y amarillo que lo forman. Es relajante, pero también positivo. Transmite serenidad, bienestar y tranquilidad. Funciona muy bien en combinación con otros colores para equilibrar o para añadir un componente emocional ecológico. Prima en sectores como el alimenticio o el cosmético, pero está presente en todos en mayor o menor medida. Es el color de marcas como Greenpeace, Herbalife, Starbucks, Android, Movistar o XBOX, entre otras.

MAGENTA

El color magenta es uno de los colores primarios del sistema CMYK. Junto con el cian y el amarillo pueden obtenerse los secundarios azul, rojo y verde y, de ahí, el resto de colores. Se compone de las longitudes de onda del rojo y el violeta. Es uno de los colores más espirituales y se asocia a la bondad, ayuda, compasión, creatividad e independencia. No se recomienda un uso excesivo por su fuerza, pero sí nos ayudará contra la tristeza subiendo nuestra autoestima. En el marketing y diseño se usa para fomentar el entusiasmo, la fuerza y la vitalidad. Al asociarse al rosa tendía a usarse enfocado a un target femenino, pero esas tendencias están cambiando. Lo utilizan marcas como Instagram, UPYD o T-Mobile.

VIOLETA

Suele percibirse como evocador o misterioso. Se asocia a la fe, la bondad y la espiritualidad. El violeta intenso se acerca a la muerte, mientras que el pálido es soñador, nostálgico. Es un color muy enérgico y el favorito de mucha gente. El tono ciruela tiene a lo mágico. Es un color eficaz para concentrarnos y desarrollar nuestra creatividad. Lo utilizan marcas como YAHOO!, Hallmark, Benq Lakers o Milka, por ejemplo.

MARRÓN

La asociación del marrón con la madera y la tierra potencia la comodidad y la seguridad. La solidez del color lo hace atemporal y sus cualidades son la fuerza, lo natural, lo acogedor, la confianza, la robustez, el intenso trabajo y la defensa. Es fiable y durable. En un mal uso puede generar sensación de suciedad, tristeza o desmotivación. Se dice del estimula el apetito, por ello se usa sobre todo en sector alimenticio y restaurantes, en combinación con otros colores. En tonos suaves, combina bien con dorados para una sensación de lujo y, en tonos más fuertes, con naranjas para evocar modernidad. Lo usan marcas como UPS, M&Ms, Nespresso o Conguitos.

NEGRO

Por último, y no menos importante, el color negro. Un color extremo, el más intenso del espectro visible. No avanza ni retrocede en el espacio. Su misterio sugiere lo formal y exclusivo, autoridad, dignidad y superioridad. Como valores negativos, tiene la asociación con la muerte, el miedo o el luto en ciertas culturas. Como positivos, la profundidad, la elegancia, la fortaleza y el prestigio. En el sector del diseño gráfico y el marketing, sus aplicaciones son muy amplias. Si se usa en exceso puede provocar distancia e intimidación con el target. En pequeños detalles, sencillez y tranquilidad. Como color principal significa silencio, poder, elegancia. En combinación con otros colores, resalta las cualidades negativas del otro. Se recomienda usarlo con colores cálidos y brillantes. Lo usan multitud de marcas, sobre todo del sector textil, como Zara, Chanel, Adidas, Puma, Nike, Sony, Estrella Galicia, etc.

Esperamos que os haya resultado interesante. Como veis, un color puede tener significados muy diferentes según el uso que le des o cómo lo combines. Por ello, en el sector del diseño gráfico y el marketing hacemos un análisis del sector y los valores de la marca para escoger los colores más adecuados, su brillo, saturación, posibles combinaciones, que funcione en diferentes dispositivos y plataformas, positivo y negativo, etc. Y lo más importante, un completo manual de uso de marca para explicar al cliente el porqué de cada decisión y los usos y no usos que se le puede dar a la marca.

El color es el lugar donde nuestro cerebro y el universo se encuentran. Maurice Merleau-Ponty.

 


Fuentes: Tipografía para diseñadores, de Timothy Samara | significadodelcolor.com

30 May

Teoría del color aplicada al diseño (parte I)

El color es la base del diseño. La utilización que se hace del mismo puede variar el mensaje que queremos comunicar y puede tener sentidos opuestos según el país al que nos dirijamos.

En el sector del diseño gráfico y la publicidad, es crucial el tratamiento que se le da al color y tenemos que entender bien cómo funciona, pues no trabajamos igual para diseños dirigidos a Internet, TV o imprenta. Cada elección tiene un motivo y un significado. Vamos a verlo.

Los colores primarios

El color primario, es aquel que no puede obtenerse mezclando ningún otro color. Es un modelo basado en la respuesta de los receptores del ojo humano ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus interferencias.

En realidad, puede haber un número indefinido de colores limitado por la sensibilidad del ojo. El ser humano es tricrómata, pues sólo contiene tres tipos de receptores, llamados conos L, M y S que responden a longitudes de onda específicas de luz roja, verde y azul.

Por este motivo, los colores primarios en la luz son los conocidos como RGB (Red, Green, Blue) o RVA en español (Rojo, Verde, Azul). Con ellos se puede representar una amplia gama de colores y, mezclando los tres en igual intensidad, el resultado tienda al blanco y los colores secundarios al cian, magenta y amarillo.

Por otro lado, los colores primarios en el pigmento son el cian, magenta y amarillo, conocidos como CMYK (cyan, magenta, yellow, black), cuya mezcla en partes iguales tiende al negro y como colores secundarios resultan el naranja, verde y violeta.

colores_primarios

Fundamentos y relaciones del color

Una composición que se base en el blanco y el negro se puede lograr hacer dinámica cambiando el contraste, luminosidad, espaciado… Pero cuando utilizamos color aportamos dimensión, expresión y claridad.

El color se define por cuatro cualidades básicas: tono, saturación, luminosidad y temperatura. El tono es la identidad, la saturación la intensidad, la luminosidad es la tendencia a oscuridad o brillo y la temperatura es una cualidad subjetiva sujeta a la sensación que nos evoca. Un color cálido como el rojo nos evoca calor, y uno frío como el azul nos evoca sensaciones u objetos ‘fríos’. Pero esta sensación es relativa, porque si comparas dos tonalidades de azul, una siempre te va a parecer que tiende más a rojizo y el otro a verde.

De ahí nacen las relaciones de los colores, que forman el círculo cromático de Munsell, un pintor y científico británico que desarrolló una representación circular de los tonos en base a su longitud de onda modificada a lo largo de dos ejes que describen la brillantez y la saturación. No fue el primero en crear una rueda cromática, pues ya lo hicieron antes Newton, Goethe o Hatt, entre otros, pero la de Munsell es la más utilizada.

Los colores situados cerca en esta secuencia reciben el nombre de análogos, y los situados uno enfrente del otro son los complementarios.

circulo_cromatico_munsell

Psicología del color

El componente emocional del color está relacionado con la experiencia humana a un nivel instintivo y biológico. Los colores más cálidos tienen mayor longitud de onda, por lo que al procesarlos necesitamos un nivel mayor de energía. Por el contrario, la menor longitud de onda de los colores fríos ralentiza nuestro metabolismo y produce un efecto calmante, sedante.

Las propiedades de los colores también dependen de la cultura. En las sociedades cristianas el negro se asocia al luto, pero en la hindúes la muerte se asocia al color blanco.

¿Quieres conocer el simbolismo cromático de cada color? No te pierdas nuestro siguiente post.

 

 


Fuentes: Wikipedia | Tipografía para diseñadores, de Timothy Samara

18 May

Santander presenta su nueva marca gráfica

Tras un trayecto marcado por erratas, plagios y muchas polémicas, Santander presenta su nueva imagen corporativa.

El diseño de marca gráfica de la capital de Cantabria ha sido realizado, a través de concurso, por la agencia valenciana Gimeno Gráfic, con un presupuesto de 37.755€ de los que la agencia de diseño se lleva 16.000€ y el resto ha sido utilizado por la empresa Proyecta para un estudio de mercado entre los habitantes de la ciudad, con el fin de conocer su opinión sobre qué representa a la ciudad y cómo la sienten. A estos gastos habría que sumar los invertidos en el concurso anterior, bastante mayores que los actuales.

Según se ha indicado en la presentación de la nueva imagen gráfica de Santander, el diseño representa el color azul de la bahía, el blanco que representa la pureza del aire, el verde de los prados y el amarillo de las playas, añadiendo la palabra ciudad para diferenciarla del Banco Santander.

El responsable del equipo de diseño, Pepe Gimeno, es autor de símbolos turísticos como la palmera de la Comunidad Valenciana o la marca gráfica de la presidencia española de la Unión Europea.

En los próximos días, podremos ir viendo por la ciudad el desarrollo de la nueva imagen de Santander en autobuses, marquesinas y demás elementos publicitarios.

Y a vosotros, ¿qué os parece?

 

imagen_corporativa_santander

Fuente e imágenes: El Diario Montañés

16 May

5 errores a evitar en el diseño de tu logotipo

Según la Wikipedia: Un logotipo, coloquialmente también llamado logo, es un signo gráfico que identifica a una empresa, un producto comercial, un proyecto, o en general, a cualquier entidad pública o privada.

Ya seas una empresa, autónomo o blogger, el logotipo es la cara visible de tu marca.

Por ello, tienes que tener claro qué valores de marca quieres que represente y dejarte guiar en su desarrollo por un profesional del diseño gráfico.

A continuación, te exponemos 5 errores que toda marca debe evitar en el diseño de su logotipo:

1. QUE NO SEA PROFESIONAL. Tener un ordenador no te hace diseñador igual que tener un libro de derecho no te hace abogado. Mucha gente comete el error de pensar que el diseño es un trabajo que cualquiera puede realizar, y encarga sus diseños a un ‘primo’ o ‘amigo’ que se lo hace gratis pero que no tiene ninguna formación. Un diseñador profesional te aconsejará cómo sacar el mayor rendimiento a tu imagen. Te ayudará a formar un briefing del que partir, realizará bocetos, y te entregará un diseño original en formato vectorial para que lo puedas adaptar y escalar a cualquier formato. Tanto la iconografía como la tipografía, el encuadre o los colores tienen una razón de ser.

2. QUE NO REFLEJE LOS VALORES DE MARCA. Un logo prediseñado o poner la marca con una tipografía que nos gusta o nuestro color favorito no es crear una imagen de marca y, por lo tanto, no refleja lo que tu marca quiere transmitir. Por ello el diseñador, siguiendo las indicaciones del briefing, deberá crear un logotipo acorde con los valores de marca que le hayas indicado (moderno, elegante, divertido, infantil…) y enfocado a tu target.

3. QUE NO SEA MEMORABLE. Un buen diseño es memorable a simple vista. Tiene que llamar la atención, ser claro y que se asocie fácilmente al sector de la marca. Puede ser un logotipo (sólo texto, como Zara o Google), un imagotipo (combinación de imagen y texto que se puede usar juntos o por separado, como Nike o Lacoste) o un isologo (imagen y texto agrupados que no funcionan por separado, como Burguer King o Starbucks).

tipos de logotipo

4. QUE NO SEA LEGIBLE. No todas las tipografías son legibles, por mucho que nos puedan gustar. Tampoco recomendamos usar las tipografías más típicas como Arial o Calibri, ya que queremos ser originales y diferenciarnos. Tenemos que pensar que usaremos nuestro logo en diferentes formatos y tamaños, y una tipografía demasiado fina o enrevesada puede no leerse en escalas menores, como las fotos de perfil de las redes sociales. Por eso, el diseñador también tiene en cuenta en el briefing el uso que le vamos a dar a nuestra marca (sólo para web, imagen corporativa completa, redes sociales…). Si te das cuenta, muchas marcas de primer nivel están rediseñando sus logos para cambiar las tipografías a otras más fácilmente escalables por el auge de las redes sociales y dispositivos móviles, como Google o el Banco Santander.

5. QUE NO SEA ADAPTATIVO. Es un must have hoy en día, tanto en los logotipos como las páginas web, que el diseño sea adaptativo y que no pierda sentido al escalarlo para dispositivos móviles. Además de la tipografía, que ya hemos comentado, la iconografía también tiene que realizarse pensando en que funcione a escalas pequeñas. De ahí la tendencia los últimos años por los diseños planos y minimalistas. Algunas marcas ya han hecho adaptativos sus diseños, como Converse o el US Open.

Esperamos que esta información os ayude en el desarrollo de vuestra imagen de marca. No olvidéis: diseño profesional, claro, memorable, legible, adaptativo, vectorial y… ¡que os represente!

Si te ha resultado interesante, echa un vistazo a nuestro post Cómo crear una marca en 5 pasos.

 

 

Imágenes ‘antes y después’ sobre rediseño de marcas vía Brandemia